演劇音楽

演劇音楽とは、劇場での演奏のために作曲または適合された幅広い音楽を指します。演劇音楽のジャンルには、オペラ、バレエ、パントマイムからオペレッタ、現代のミュージカルやレビューまで、いくつかの形式のミュージカル劇場が含まれます。演劇音楽のもう1つの形式は、ラジオ、映画、テレビのように、アクションに付随したり、劇のシーンを分離するために使用される付随的な音楽です。音楽の物理的な実施形態はスコアと呼ばれ、音楽を含み、歌詞がある場合は歌詞も表示します。

歴史

劇場の初期の頃から、音楽は舞台劇で重要な役割を果たしてきました。紀元前5世紀のギリシャのドラマでは、悲劇と喜劇の両方の話された部分の間で唱えられ、踊られるように、cho歌が書かれました。音楽の断片だけが生き残っています。ルネサンスから現代までの復興のためのフォームを再作成する試みは、いくつかの方向に分岐しています。アンドレア・ガブリエリからメンデルスゾーン、ヴォーン・ウィリアムズまでの作曲家は、ソフォクレス、アリストファネスなどによる演劇のプロダクションのためにコーラス音楽を作曲しました。ラシーン、イェイツ、ブレヒトなどの脚本家は、コーラスやナレーターによる解説付きで、古代劇から派生したスタイルでオリジナルの劇を書きました。 16世紀後半のフィレンツェでは、歌われた歌唱の貢献で古代ギリシャのドラマを復活させようとする試みが、現代のオペラのジャンルに発展しました。フォークシアターは常にダンスミュージックと歌を展開しています。

16世紀と17世紀には、演劇の活動中に、また後編として演劇音楽が上演されました。クリストファー・R・ウィルソンは、シェークスピアの音楽の使用について議論し、「舞台音楽」（重要なキャラクターを紹介したり、戦闘シーンに伴うファンファーレ）、「魔法の音楽」（「 真夏の夜の夢」の子守歌のように）、「キャラクターの音楽」（ Twelfth Nightでは、キャラクターの高い、低い、悲しい、または陽気な性質を説明しています）と「雰囲気の音楽」（ The Tempestの Arielの「Where the bee sucks」など）。 18世紀初頭までに、オペラ、ダンス、演劇など、ヨーロッパのほとんどすべての演劇の一部として音楽がしっかりと確立されました。劇場はオーケストラピットで建てられ、音楽は制作のために特別に作曲されるか、既存の素材から適切に配置されました。

作家のロジャー・サベージは、 グローブの音楽と音楽家の辞典に次のように記しています。「インドから日本までのアジアの演劇の古典的な形態は、サハラ以南のアフリカとアメリカの先住民の劇的な儀式と同様、音楽に大きく依存しています。」西洋演劇のジャンルでは、音楽は中世の典礼ドラマ、バレエ、クール、バレエ、クラシックバレエ、モダンダンス、コメディバレエ、セミオペラ、18世紀のパントマイム、バラードオペラ、シングシュピール、オペラに重要な特徴があると書いています。コミック、ビクトリア朝のバーレスク、ミュージックホール、ボードビル、バラエティーショー、オペレッタ、エドワードミュージカルコメディ、ロックミュージカルを含むモダンミュージカル（右から、 髪の毛から）、およびその他の形式のミュージカル劇場。ラジオ、映画、テレビと同様に、演劇は付随的な音楽を使用して、演劇に付随してきました。