飾り（アート）

建築装飾技術では、 装飾は、建物や物体の部分を装飾するために使用される装飾です。記念碑的な彫刻などの大きな比ur的な要素と、装飾芸術におけるそれらの同等物は、この用語から除外されています。ほとんどの装飾品には人物が含まれておらず、存在する場合は全体のスケールに比べて小さくなります。建築装飾品は、石、木、または貴金属から彫り、石膏または粘土で形成するか、 装飾品として塗装または表面に印象づけることができます。他の応用技術では、オブジェクトの主要な素材、または塗料やガラス質エナメルなどの異なる素材を使用できます。

陶器、家具、金属細工など、建築と応用芸術のために、多種多様な装飾スタイルとモチーフが開発されています。テキスタイル、壁紙、および装飾がその存在の主な正当性である可能性のあるその他のオブジェクトでは、パターンまたはデザインという用語が使用される可能性が高くなります。オーナメントで使用される膨大な範囲のモチーフは、幾何学的な形状やパターン、植物、人間や動物の人物から描かれています。ユーラシア大陸と地中海世界では、3000年以上にわたって植物ベースの装飾の豊かでリンクされた伝統がありました。世界の他の地域の伝統的な装飾は、通常、幾何学的および動物のモチーフにより依存しています。

1941年のエッセイで、建築史家のジョン・サマーソンirはそれを「表面変調」と呼んだ。初期の装飾や装飾品は、陶器の簡単なマーキングで先史時代の文化から生き残っていることが多く、そこでは他の素材（入れ墨を含む）の装飾が失われています。ろくろが使用された場所では、この技術によりいくつかの種類の装飾が非常に簡単になりました。製織は、装飾やパターンにも非常に簡単に役立つ別の技術であり、ある程度その形を決定します。装飾は、古代エジプトの建築から20世紀のモダニズム建築の装飾の断定的な欠如に至るまで、記録された歴史の始まり以来文明で明らかでした。

装飾は、装飾されたオブジェクトが、装飾されていない同等物も満たす機能を持つことを意味します。オブジェクトにそのような機能はないが、彫刻や絵画などの芸術作品としてのみ存在する場合、この用語は周辺要素を除いて使用される可能性は低くなります。近年、美術と応用または装飾芸術との区別が適用され（建築を除く）、装飾は主に後者のクラスの特徴として見られています。

歴史

多くの文化の芸術の歴史は一連の波のような傾向を示しており、使用される装飾のレベルが一定期間にわたって増加し、その後、鋭い反応が元の形に戻り、その後装飾が徐々に増加します。このパターンは、ポストローマのヨーロッパの芸術で特に明確であり、ケルズ書や他の写本の非常に装飾された島の芸術が大陸ヨーロッパに影響を与えましたが、古典的にインスピレーションを受けたカロリングとオットンの芸術が大部分を置き換えました装飾はロマネスク期とゴシック期に増加しましたが、初期のルネサンス様式では、古典的な影響を受けて大幅に減少しました。北部のマニエリスムの別の増加期間であるバロックとロココは、19世紀後半のビクトリア朝の装飾芸術とその大陸の同等物で再開される前に、新古典主義とロマン主義の期間によって確認されました。モダニズム。

ユーラシアの装飾形態の詳細な研究は、アロイス・リーグルが彼の形式主義的研究で始めました。Stilfragen：Grundlegungen zu einer Geschichte der Ornamentik （ スタイルの問題：装飾の歴史の基礎 ）1893年、 Kunstwollenの影響力のある概念を開発しました 。リーグルは、古代エジプト美術や他の古代近東文明から古典世界を経てイスラム美術のアラベスクに至るまで、装飾的な植物形態の形式的な連続性と発展をたどりました。 クンストワレンの概念には今日信者がほとんどいませんが、フォームの開発に関する彼の基本的な分析は、今日知られている例のより広いコーパスによって確認され、洗練されています。ジェシカ・ローソンは最近、リーガルがカバーしなかった中国美術をカバーするために分析を拡張しました、中国の装飾の多くの要素を同じ伝統にまでさかのぼります。モンゴルの侵略後の中国のモチーフのペルシア芸術への同化を調和的かつ生産的にするのに役立つ共有の背景。

装飾のスタイルは、ユニークな装飾形式を開発した特定の文化、または他の文化から装飾を変更したものを参照して研究できます。古代エジプト文化は、おそらく建物に純粋な装飾を追加した最初の文明です。それらの装飾は、その気候の自然界の形を取り、柱や壁の首都をパピルスやヤシの木の画像で飾ります。アッシリア文化は、エジプトの情報源からの影響を示す装飾品と、この地域の動植物の図を含む多くのオリジナルのテーマを生み出しました。

古代ギリシア文明は、ドーリア、イオニア、コリントのグループからの地域のバリエーションで、多くの新しい形の装飾を作成しました。ローマ人はギリシャの装飾品の純粋な形をラテン語化し、あらゆる目的に合わせて形を整えました。

オーナメントプリントとパターンブック

中世のノートブックがいくつか残っており、最も有名なのはヴィラールドオンヌクール（13世紀）のもので、アーティストや職人が将来の使用のために見たデザインをどのように記録したかを示しています。プリント装飾の登場により、プリントは特にドイツのプリントメーカーの生産の重要な部分となり、あらゆる種類のオブジェクトのメーカーへの新しいルネッサンス様式の急速な普及に重要な役割を果たしました。ローマの室内装飾に由来する建築様式とグロテスクな様式の両方の復活した古典的な装飾だけでなく、これらにはイスラムのアラベスクのヨーロッパの適応であるモレスクなどの新しい様式が含まれていました（その区別は必ずしも明確ではありませんでした）。

印刷が安くなると、単一の装飾印刷物がセットになり、最終的に本になりました。 16世紀から19世紀にかけて、ヨーロッパでパターンブックが出版され、世界中の文化から記録されたものを含む装飾的な要素にアクセスできるようになりました。アンドレア・パラディオの第1四世図書館建築（4冊の建築）（ベニス、1570年）には、古典的なローマの建物の図面と、それらのモチーフを利用したパラディオの独自のデザインのレンダリングの両方が含まれ、建築に書かれた最も影響力のある本になりました。ナポレオンにはエジプトの大ピラミッドと寺院があり、エジプトの記述（1809）に記載されています。オーウェンジョーンズは、1856年に装飾の文法をエジプト、トルコ、シチリア島、スペインの装飾のカラーイラストと共に出版しました。彼はアルハンブラ宮殿に居住し、アラベスク、書道、幾何学模様など、イスラムの装飾品の華やかな細部の絵や石膏の鋳造物を作りました。古典建築への関心は、グランドツアーの旅の伝統と、ウィトルウィウスとミケランジェロの作品における建築に関する初期の文献の翻訳によっても促進されました。

19世紀には、建築家とその批評家が適切なスタイルを模索していたため、装飾の許容される使用とその正確な定義が、学術的な西洋建築の美学上の論争の源になりました。「大きな問題は、1847年にトーマス・レバートン・ドナルドソンが尋ねた、「19世紀の明確で個性的で明白なスタイルの私たちの時代の建築物を手に入れるべきなのか？」です。 1849年、マシュー・ディグビー・ワイアットがパリのシャンゼリゼに設置されたフランス産業博覧会を見たとき、彼は偽青銅と偽木目調の石膏装飾品の認識できる現代の用語で不承認になりました。

内部と外部の両方に、無味で利益のない装飾がたくさんあります...各シンプルな素材が独自の物語を語ることを許可されていた場合、建築のラインが壮大な感情につながるように配置されている場合、「力」と「真実」は、その広大な範囲が必然的に確保したに違いありませんが、賞賛を刺激することはほとんどできませんでした。

植民地主義と考古学の新たな発見による他の文化との接触は、リバイバリストが利用できる装飾のレパートリーを拡大しました。 1880年頃から、写真は装飾品の細部を印刷物よりもさらに広く利用可能にしました。

モダンな飾り

現代の木工装飾品は、木材、プラスチック、複合材料などで作られています。色や形はさまざまです。純粋に機能的な構造を支持する装飾の排除と考えられている近代建築は、建築家に近代建築を適切に装飾する方法の問題を残しました。この認識された危機から2つの利用可能なルートがありました。 1つは、新しく本質的に現代的な装飾用の語彙を考案しようとすることでした。これは、ルイ・サリバンと彼の弟子フランク・ロイド・ライトのような建築家、またはユニークなアントニ・ガウディが取ったルートでした。アールヌーボーは、そのすべての過剰性のために、そのような「自然な」装飾の語彙を進化させるための意識的な努力でした。

より急進的なルートでは、クリストファー・ドレッサーによるオブジェクトのデザインのように、装飾品の使用を完全に放棄しました。当時、そのような装飾されていないオブジェクトは、工業デザインの多くの見知らぬ作業アイテム、たとえばフィンランドのアラビア工場で生産されたセラミック、または電線のガラス絶縁体で発見された可能性があります。

この後者のアプローチは、1908年のマニフェストで建築家アドルフ・ロースによって説明され、1913年に英語に翻訳され、 装飾と犯罪という題名で、装飾の欠如は先進社会の兆候であると宣言しました。彼の議論は、装飾は経済的に非効率的で「道徳的に退化」しており、装飾を減らすことは進歩の兆候であるというものでした。モダニストは、アメリカの建築家ルイ・サリバンを審美的簡素化のゴッドファーザーとして指し示し、彼の構造の皮膚を明瞭に表現した複雑な模様の装飾の結び目を捨てました。

1920年代から1930年代までのルコルビュジエとバウハウスの作品により、装飾的なディテールの欠如が近代建築の特徴となり、誠実さ、シンプルさ、純粋さの道徳的美徳と同等になりました。 1932年、フィリップ・ジョンソンとヘンリー・ラッセル・ヒッチコックはこれを「国際スタイル」と呼んだ。好みの問題として始まったものは、審美的な使命に変わりました。モダニストは、自分たちの道を唯一の受け入れられる道として宣言しました。ミース・ファン・デル・ローエの高度に開発された戦後の作品でスタイルが大きく進歩したため、1950年代のモダニズムの教義は非常に厳しくなり、エドワード・ダレル・ストーンやエーロ・サーリネンのような熟練した建築家でさえも、美的ルールから逸脱することでrid笑され、効果的に排racされました。

同時に、装飾に対する書かれていない法律が深刻な問題になり始めました。「建築は多少の困難を伴いながら、装飾から解放されましたが、装飾に対する恐怖から解放されていません」とジョン・サマーソンは1941年に観察しました。

装飾と構造の違いは微妙で、おそらくarbitrary意的です。ゴシック建築の尖ったアーチと空飛ぶバットレスは装飾用ですが、構造的に必要です。ピエトロベルスキインターナショナルスタイルの超高層ビルのカラフルなリズミカルなバンドは不可欠であり、適用されていませんが、確かに装飾的な効果があります。さらに、建築装飾は、規模を確立し、エントリを通知し、経路探索を支援するという実用的な目的を果たすことができ、これらの有用な設計戦術は禁止されていました。そして、1950年代半ばまでに、モダニズムの船首像であるルコルビュジエとマルセルブロイアーは、表現力豊かな彫刻的なコンクリート作品を制作することで、独自のルールを破っていました。

装飾に対する議論は、1959年にミースファンデルローエが建物の外側に一連の構造的に不要な垂直I型梁を設置したシーグラムビルの議論でピークに達し、1984年にはフィリップジョンソンがマンハッタンのAT＆Tビルを製造しました装飾的なピンクの花崗岩のネオジョージアンペディメント、議論は事実上終わりました。振り返ってみると、批評家はAT＆Tビルを最初のポストモダニストのビルと見なしています。