ジャズギター

ジャズ楽器と関連する演奏スタイル

ジャズギターという用語は、一般的に「ジャズ」と呼ばれるさまざまなジャンルで使用されるギターのタイプまたはさまざまなギター演奏スタイルを指します。ジャズタイプのギターは、従来のアコースティックギターの音量を上げるために電気増幅を使用した結果として生まれました。

1930年代初頭に考案されたエレキギターは、ジャズミュージシャンが大音量のビッグバンドで聞こえるように音を増幅しようとしたため、必要になりました。ビッグバンドのギタリストがアコースティックギターしか持っていなかったとき、彼らができることは和音を演奏することだけでした。アコースティックギターは大きな楽器ではないため、ソロを演奏できませんでした。ギタリストがアコースティックギターからセミアコースティックギターに切り替えて、ギターアンプの使用を開始すると、ギターが聞き取りやすくなり、ギタリストがギターソロを演奏できるようになりました。ジャズギターは、20世紀の初めにジャズに重要な影響を与えました。ジャズで使用された最初のギターはアコースティックであり、アコースティックギターはまだジャズで使用されることがありますが、1940年代以降のほとんどのジャズギタリストは電気増幅ギターまたはエレキギターで演奏しています。

伝統的に、ジャズのエレキギタリストは、比較的広い中空のサウンドボックス、バイオリンスタイルのFホール、「フローティングブリッジ」、および磁気ピックアップを備えたアーチトップを使用します。 1950年代初期から大量生産されたソリッドボディギターも使用されています。

ジャズギターの演奏スタイルには、ジャズコードのボイシング（および場合によってはベースラインのウォーキング）との「コンピング」、およびジャズスタイルのフレージングとオーナメントによるジャズコードの進行に対する「吹く」（即興）が含まれます。コンピングとは、曲のメロディーや他のミュージシャンのソロ即興演奏の下でコードを演奏することです。ジャズギタープレーヤーが即興演奏する場合、曲のコード進行のコードに関連付けられたスケール、モード、アルペジオ、および曲のメロディーの要素を使用できます。

歴史

1900〜1930年代半ば

弦楽器演奏のリズムは、初期のジャズグループなど、ブラス、サックス、クラリネット、ドラムなどの軍隊バンドスタイルの楽器を含むグループで聞くことができます。 20世紀初頭にアコースティックギターがより人気のある楽器になると、ギターメーカーはより広い範囲の設定で役立つ大音量のギターを作り始めました。

1923年に最初に製造されたアコースティックアーチトップギターであるギブソンL5は、エディラングなどの初期のジャズギタリストが使用した初期の「ジャズ」スタイルのギターでした。 1930年代までに、ギターはジャズ音楽の主要な和音のリズム楽器としてバンジョーを置き換え始めました。なぜなら、このギターは和声の複雑さを増した和音を歌うために使用でき、アップライトベースとうまく調和したやや落ち着いたトーンを持っていたからですこの時点で、ジャズ音楽の支配的なベース楽器としてチューバにほぼ完全に取って代わりました。

1930年代-1960年代後期

1930年代後半から1940年代にかけて-ビッグバンドジャズやスイングミュージックの全盛期-ギターは重要なリズムセクションの楽器でした。カウント・ベイシーのバンドのフレディ・グリーンなどの一部のギタリストは、ギター特有の伴奏スタイルを開発しました。ただし、少数のビッグバンドは、増幅されたギターソロを特徴としており、代わりに小さなコンボコンテキストで行われました。この時代の最も重要なジャズギターソリストには、マヌーシュの名手ジャンゴラインハルト、ナット「キング」コールのトリオでフィーチャーされたオスカームーア、25歳で早死したにも関わらずベニーグッドマンのバンドとセクステットのチャーリークリスチャンが含まれていました。。

第二次世界大戦後の時代に小さなコンボジャズが大規模に登場するまで、ギターは多目的な楽器として使われ、リズムセクションとフィーチャーされたメロディー楽器とソロの即興演奏家の両方として使用されました。ビバップの言語を吸収していたジョージ・バーンズ、ケニー・バレル、ハーブ・エリス、バーニー・ケッセル、ジミー・ラニー、タル・ファーローの手で、ギターは「深刻な」ジャズ楽器と見なされ始めました。 GibsonのES-175（1949年にリリースされた）などの改良されたエレクトリックギターは、プレーヤーにさまざまなトーンオプションを提供しました。 1940年代から1960年代にかけて、ウェスモンゴメリー、ジョーパス、ジムホールなどのプレーヤーは、現在「ジャズギター」演奏の基礎を築きました。

1970年代

1970年代初頭にジャズとロックの融合が出現したため、多くのプレイヤーはよりロック志向のソリッドボディギターに切り替えました。グラント・グリーンやウェス・モンゴメリーなどのその他のジャズ・ギタリストは、ソウル・ジャズ風のオルガン・トリオなど、ジャズとソウルとR＆Bを融合させたポップ指向のスタイルに彼らのスキルを適用することになりました。若いジャズミュージシャンは、ブルース、ロック、ファンクなどのエレクトリックの人気ジャンルの急増に乗り、新しい視聴者にリーチしました。フュージョン分野のギタリストは、ジョン・コルトレーン、マッコイ・タイナー、オーネット・コールマン、マイルス・デイビスなどのミュージシャンのバップ後のハーモニックおよびメロディー言語と、クリームのエリックなどのギタリストによって作成されたハードエッジの（通常は非常に大きな）ロックトーンを融合しましたシカゴのブラックブルースプレーヤーや、それ以前はミシシッピ州のデルタ地域に馴染みのない人々のために、ギターの音を再定義したクラプトン。ジョン・メイオールのブルースブレイカーズで、クラプトンはバディ・ガイ、フレディ・キング、BBキングなどによってすでに開拓されたサウンドでボリュームを上げ、強力な指ビブラート、ストリング・ベンディング、そして強力なマーシャル・アンプによるスピードを実現しました。

ジョンマクラフリンなどのフュージョンプレーヤーは、クラプトンやジミヘンドリックスなどのロックギタリストの流動的でパワフルなサウンドを採用しました。マクラフリンは、ハードジャズにクラプトン、ヘンドリックス、ベックなどの新しいサウンドを取り入れた革新者でした。マクラフリンは後に1970年代初頭に完売するために演奏した歴史的に重要なフュージョンバンドであるマハビシュヌオーケストラを結成し、その結果、フュージョンギタリストの無限の子孫を生み出しました。パット・マルティーノ、アル・ディ・メオラ、ラリー・コリエル、ジョン・アバクロンビー、ジョン・スコフィールド、マイク・スターンなどのギタリスト（後者は両方ともマイルス・デイビスのバンドの卒業生）は、ジャズを新しい世代のファンに紹介する新しい言語を作り上げました。先行するロックブルーのアイコンのように、フュージョンギタリストは通常、スタジアムのロックスタイルの増幅と、シミュレートされた歪み、ワウワウ、オクターブスプリッター、コンプレッション、フランジペダルなどの信号処理の「効果」を通じてソリッドボディ楽器を演奏しました。また、ブルースロックプレーヤーなどの自然なオーバードライブを作成するために、単にボリュームをフルに上げました。

1980年代〜2000年代

1980年代初頭までに、1970年代初期のフュージョンの急進的な実験は、ラジオフレンドリーなスムーズジャズのサウンドに取って代わりました。ギタリストのパット・メセニーは、ブルース、カントリー、「ワールド」音楽のサウンドとロック、ジャズをミックスし、フラットトップのアコースティックギターとエレクトリックギターの両方を弾き、柔らかく、よりメロウな音色で、知られているきらめく効果で甘くしました1980年代には、ネオトラディショナルジャズの学校が過去とのつながりを求めていました。このような美学に合わせて、この時代の若いギタリストは、クリーンで丸みのあるトーンを求め、伝統的な中空のボディを演奏していました。多くの場合、真空管アンプを介して、電子効果のないアーチトップギター。

ボビー・ブルーム、ピーター・バーンスタイン、ハワード・オールデン、ラッセル・マローン、マーク・ホイットフィールドなどのプレイヤーが伝統的なジャズギターの音を復活させたため、アーチトップの弦楽器製作（ギター製作）の復活もありました。 1990年代初頭までに、多くの小さな独立した弦楽器製作者がアーチトップギターを作り始めました。 2000年代、ジャズギターの演奏は変化し続けています。一部のギタリストはラテンジャズの影響を取り入れ、アシッドジャズスタイルのダンスクラブ音楽はウェスモンゴメリーからのサンプルを使用し、ビルフリセルなどのギタリストは分類を無視し続けています。

ギターの種類

アーチトップギター

ジャズは、アコースティック楽器からフェンダーストラトキャスターなどの頑丈なエレクトリックギターに至るまで、あらゆるタイプのギターで演奏できますが、本格的なアーチトップギターは、典型的な「ジャズギター」として知られるようになりました。アーチトップギターは、大きなサウンドボックス、アーチ型トップ、バイオリンスタイルのfホール、「フローティングブリッジ」、磁気ピックアップまたは圧電ピックアップを備えたスチール弦アコースティックギターです。ジャズギターの初期のメーカーには、ギブソン、エピフォン、ダンジェリコ、ストロムバーグなどがありました。エレキギターは、ギターアンプに接続されており、演奏に十分な音量で鳴ります。ギターアンプにはイコライザーコントロールがあり、特定の周波数帯域を強調または非強調することで、ギタリストが楽器の音色を変更できます。多くの場合ギターアンプに含まれるリバーブエフェクトの使用は、ジャズギターサウンドの一部でした。特に1970年代のジャズフュージョン時代以来、一部のジャズギタリストは、オーバードライブペダル、コーラスペダル、ワウペダルなどのエフェクトペダルも使用しています。

ジャズで使用された最初のギターはアコースティックで、後に2つのハムバッキングピックアップの典型的な電気的構成に取って代わられました。 1990年代、ジャズギタリストの間で、フローティングピックアップを備えたアコースティックアーチトップギターの関心が復活しました。オリジナルのアコースティックアーチトップギターは、音量を上げるために設計されました。そのため、比較的重いギターストリングで使用するために作られました。電化が標準になった後でも、ジャズギタリストは音色の理由から0.012 "ゲージまたはそれ以上の弦にフィットし続け、平巻き弦も好みます。特徴的なアーチ型のトップは、アーチ型に彫られた無垢の木で作ることができます、または形状に押し込まれた積層木材（基本的には合板の一種）スプルースはトップに、メイプルはバックに使用されます。アーチトップギターは、Ibanez Artcoreシリーズなどの大量生産、またはロバート・ベネデットなどの弦楽器製作者。

その他のギター

Selmer-Maccaferriギターは、Django Reinhardtとジプシースイングに強く関連しています。
共振器ギターはオスカーアレマンによって使用されました（排他的ではありません）。
ナイロンストリングギターは、たとえばチャーリーバードやラウリンドアルメイダの作品のように、ラテンジャズに関連しています。
フラットトップのスチール弦ギター（特にOvationギター）は、John McLaughlin、Larry Coryell、およびAl Di Meolaの「音響シュレッディング」に使用されています。
ソリッドボディのエレキギターは、たとえばビルフリセルやスタンリージョーダンなど、ジャズロックで使用されています。特にテレキャスターには、たとえばエド・ビッカートやテッド・グリーンなどのジャズがいます。
ジャズロックおよびアバンギャルドジャズのシンセサイザーギター。アランホールズワースやパットメセニーなど。
George van Eps、Lenny Breau、Bucky Pizzarelli、Howard Aldenによる7本の弦ギター。
Ralph Pattによる8弦ギター。

ミュージカル成分

リズム

ジャズリズムギターは、多くの場合、エキゾチックでフレットが難しいコードをuseしみなく使用する、非常に質感のある奇数メーターの演奏で構成されています。 4/4のタイミングでは、2などの2.5ビート間隔を再生するのが一般的です。その後、ハーフビートまたは4の後の「and」を使用します。実際のコード変更の前に注意してください。通常、コードは、ロックリズムのギタリストが演奏するような、リズミカルな反復的な方法で演奏されることはありません。

調和

ジャズギタリストは、ハーモニーとジャズ理論の知識を使用して、コードの3番目と7番目の音を強調するジャズコード「ボイシング」を作成します。いくつかのより洗練された和音のボイシングには、和音の9、11、13番目の音も含まれます。いくつかのモダンジャズスタイルでは、曲の支配的な7番目のコードに変更された9番目（「フラット9番目」と呼ばれる半音でフラット化されるか、「シャープ9番目」と呼ばれる半音でシャープにされる）が含まれる場合があります。 11ths（「シャープ11th」と呼ばれる半音でシャープ化）; 13番目（通常、「フラット13番目」と呼ばれる半音で平坦化されます）。

ジャズギタリストは、メジャー7、メジャー6、マイナー7、マイナー/メジャー7、ドミナント7、ディミニッシュ、ハーフディミニット、オーグメンテッドコードなど、さまざまなコードについて学ぶ必要があります。同様に、彼らはコード変換（例えば、前述の「代替ドミナントコード」などの変更されたコード）、コード置換、および再調和技術について学ぶ必要があります。一部のジャズギタリストは、ジャズのスケールとコードの知識を使用して、ウォーキングベースの伴奏を提供します。

ジャズギタリストは、ユビキタスii-VIの進行、ジャズスタイルのブルースの進行（ブルーススタイルの12小節の進行とは対照的に、2つのバーごとのコードの変更数）マイナージャズスタイルブルースフォーム、I-vi-ii-Vベースの「リズム変更」進行、およびジャズバラードで使用されるモジュレーションの豊富なコード進行のさまざまな種類、およびジャズ標準。ギタリストは、1970年代のジャズラテン、ジャズファンク、およびジャズロックのフュージョンミュージックで使用されているコードタイプ、ストラミングスタイル、およびエフェクトペダル（コーラスエフェクトやファズボックスなど）の使用方法を学ぶこともできます。

メロディー

ジャズギタリストは、スケールとアルペジオパターンの基本的な構成要素を、バランスの取れたリズミカルでメロディックなフレーズに統合し、まとまりのあるソロを作り上げます。ジャズギタリストは、サックス奏者などのホルン奏者が使用する自然な呼吸とレガートのフレーズをメロディーのフレーズに吹き込みます。同様に、ジャズギタリストのソロの即興演奏には、「スイング」と「グルーブ」の感覚を作り出すリズミカルなドライブと「タイムフィール」が必要です。最も経験豊富なジャズギタリストは、「ビートの前」や「ビートの後ろ」で演奏するなど、さまざまな「時間感覚」で演奏することを学び、緊張を作り出したり解放したりします。

ジャズギタースタイルのもう1つの側面は、装飾音符、スライド、ミュート音など、スタイルに適した装飾品の使用です。ジャズの各サブジャンルまたは時代には、そのサブジャンルまたは時代のスタイルの一部である異なる装飾があります。ジャズギタリストは通常、特定のスタイルまたはジャズ時代の著名な録音を聴くことで、適切な装飾スタイルを学びます。ジャズギタリストの中には、ウェスモンゴメリーがジャズピアノのテクニックである並列オクターブでメロディを演奏するという借用など、他のジャズ楽器から装飾技術を借用している人もいます。また、ジャズギタリストは、通過するトーンを追加する方法を学習し、「ガイドトーン」とコード進行からのコードトーンを使用して、即興を構成する必要があります。

1970年代および1980年代、ジャズロックフュージョンギターの演奏で、ジャズギタリストは、リフベースのソロやペンタトニックおよびブルーススケールパターンの使用など、ロックギターソロのアプローチを取り入れました。一部のギタリストは、ジミヘンドリックスの影響を受けたディストーションとワウエフェクトを使用して持続的で重厚なトーンを実現したり、タッピングやトレモロバーのベンディングなど、ラピッドファイアギターのシュレッダー技術を使用したりしました。 1974年にReturn to Foreverでキャリアを始めたギタリストAl Di Meolaは、後にロックやヘビーメタルの演奏で使用される「シュレッド」スタイルで演奏した最初のギタリストの1人でした。ディ・メオラは、オルタナティブ・ピッキングを使用して、ソロで非常に高速な一連のノートを実行しました。

即興

ジャズギタープレーヤーが即興演奏を行う場合、曲のコード進行でコードに関連付けられているスケール、モード、およびアルペジオを使用します。即興演奏へのアプローチは、ジャズギターの初期の時代から変化しました。 Swing時代、多くのソリストはメロディーに装飾を施し、音符を渡すことで「耳で」即興演奏しました。しかし、ビバップ時代には、速いテンポと複雑なコード進行により、「耳で」演奏することがますます難しくなりました。サックスやピアノ奏者などの他の即興演奏者とともに、ビバップ時代のジャズギタリストは、スケール（全音階、半音階など）とアルペジオを使用してコードの変更を即興で始めました。ジャズギタープレーヤーは、おそらくコンピングの役割に起因するコードに慣れているため、メロディを作り直すよりもコード/スケールの関係を即興で演奏する傾向があります。即興のメロディックなアイデアのソースは、録音から即興ソロを書き写すことです。これは、ジャズギタリストに「なめ」、メロディフレーズ、アイデアをそのまままたはバリエーションとして提供し、前世代のプレーヤーから学ぶ確立された方法です。

演奏スタイル

ビッグバンドのリズム

1930年代および1940年代に人気のジャズビッグバンドでは、ギタリストはリズムセクション（ギター、ドラム、ベース）の不可欠な部分と見なされます。通常、彼らは通常の4回のストラムをバーに弾きましたが、ハーモニックの即興演奏も可能です。カウントベイシーオーケストラのギタリストであるフレディグリーンは、このスタイルの有名な指数でした。多くの場合、ハーモニーは最小限です。たとえば、ルートノートは、ベーシストから提供されるという前提で省略されることがよくあります。

小グループのコンピング

ジャズギタリストが曲のメロディーや他のミュージシャンのソロ即興演奏でコードを演奏する場合、「伴奏」および「補完」の略である「コンピング」と呼ばれます。ほとんどのジャズスタイルの伴奏スタイルは、多くのポピュラーな音楽スタイルでのコード楽器の伴奏とは異なります。ロックやポップなど、多くのポピュラーなスタイルの音楽では、リズムギタリストは通常、曲のビートまたはグルーブを設定するリズミカルな方法でコードを演奏します。対照的に、より小さな範囲内の多くのモダンジャズスタイルでは、ギタリストははるかにまばらに演奏し、周期的なコードと繊細なボイシングをメロディまたはソロのポーズに混ぜ、沈黙の期間を使用します。ジャズギタリストは通常、標準的なボイシングのみを使用するのではなく、コンピング時にさまざまな反転を使用します。

コードメロディと伴奏なしのソロ

このスタイルでは、ギタリストはクラシックギタリストやピアニストができるような方法で、曲全体（ハーモニー、メロディ、ベース）をレンダリングすることを目指します。このスタイルでは、コードのルーツをベーシストに任せることはできません。コード自体は、個々のプレーヤーと特定のピースの配置の両方に応じて、まばらに、またはより密に使用できます。スパーススタイルでは、メロディーフレーズの先頭でのみフルコードが演奏されることがよくあります。対照的に、より密度の高いコードテクスチャは、コードソロに近づきます（以下を参照）。 3番目のアプローチは、ニューオーリンズのピアニストのように、安定した忙しいベースラインを維持することです。ここでは、一度に2つまたは3つ以下のノートが演奏され、完全なハーモニーはアルペジエーションによって示されます。このスタイルの指数は、チェット・アトキンスのような国、民族、ラグタイムの背景に由来することがよくありますが、例えばマーティン・テイラーなどのストレート・ジャズの実践者によって採用されることもあります。コードメロディーはしばしばプレクトラムで演奏されます（Tal Farlow、George Bensonなどを参照）。一方、ジョー・パス、ジョージ・ファン・エプス、テッド・グリーン、ロバート・コンティ、レニー・ブロー、またはエド・ビッカート、ラズロ・シルソムなどが実施しているハイブリッド・ピッキングで実践されているフィンガースタイルは、伴奏なしのソロへのより複雑で多声的なアプローチを可能にします。

「吹く」または単音ソロ

チャーリー・クリスチャンとジャンゴ・ラインハルトは一般に、ギターを使用して他の楽器のメロディーと即興を演奏し始めました。前者は初期の増幅を使用し、後者はアコースティックギターで力強く演奏します。長年にわたり、ジャズギタリストは、ビバップやクールジャズなどの標準的なジャズイディオムでソロをとることができました。また、電子エフェクトの使用など、ロックギタリストからの影響も吸収しています。

コードソロ

ジャズギタリストは、単音の即興演奏に限定されません。伴奏を使用する場合、コードソロは、通常、弦1、2、3、4の高音域で和音（ハーモニー）とメロディーを同時に即興して作成されます。WesMontgomeryは、単音、次にオクターブ、そして最後にコードソロ-これは、標準的な恋人の男の即興演奏で聞くことができます（ああ、Where Can You Be？）。伴奏なしで演奏する場合、ジャズギタリストは、Lenny Breau、Joe Pass、Martin Taylorなどの作品のように、任意またはすべての弦でベース、メロディ、コードを個別または同時に演奏することで、コードソロを作成できます。このテクニックは、伴奏なしのソロにも組み込むことができます。たとえば、ジャンゴ・ラインハルトの「即興演奏」は 、ソロ曲と呼ばれています。