古典彫刻

古典的な彫刻 （通常は小さな「c」）は、一般に古代ギリシャと古代ローマの彫刻、および紀元前500年から西暦200年頃までの支配下または影響下のヘレナイズおよびローマ化文明を指します。また、紀元前500年頃から紀元前323年頃のヘレニズム様式の始まりまでの古代ギリシャ彫刻の期間をより正確に指す場合があります。この場合、通常は大文字の「C」が与えられます。「古典的」という用語は、新古典主義や古典的なスタイルの作品に限らず、後の彫刻の文体的な傾向にも広く使用されています。

古代ギリシア彫刻の初期の主な主題は、人間の姿で、通常は男性と裸体（またはほぼそう）でした。肖像画の彫刻の頭は別として、身体は非常に理想化されていましたが、前例のない程度の自然主義を達成しました。自立像に加えて、古典彫刻という用語には、レリーフ作品（有名なパルテノン神殿のエルギンの大理石など）とより平坦なレリーフスタイルが組み込まれています。彫刻作品は人間の形を強調しましたが、レリーフは精巧な装飾シーンを作成するために採用されました。

大規模または記念碑的な彫刻の作成は、中世初期とビザンチン美術でほぼ終了しましたが、ローマの例が発掘され、少なくとも19世紀まで古典的な彫刻が大きな影響を与え続けたため、イタリアのルネサンスで大きく復活しました。

古代ギリシャの彫刻

いくつかの期間があります。

古代時代

アルカイック時代の最も重要な彫刻形式は、立っている男性のヌードであるクーロス （複数形： kouroi ） でした （例えば、BitonとKleobisを参照）。エジプトの影響を反映して、 クーロスは直立しており、左脚をわずかに前方に、両腕を両脇に持っています。古代ギリシャの彫刻家は、エジプト人によってスタイル的に影響を受けていたようですが、相違点は初期に現れました。特に、古代ギリシャの男性像はヌードで表現される傾向がありましたが、これは古代エジプト美術のすべての期間では珍しいことでした（奴隷や敵が描かれた場合を除く）。エジプトの芸術のように、女性の被験者は常に服を着せられていました。女性のヌードはずっと後になるまで現れません。

この期間では、後の自然な骨と筋肉の解剖学への重点はまだ発展していませんでした。これは、膝やその他の重要な関節などの細部を観察する際に見ることができます。一部の詳細は、完全にモデル化されたものではなく、「古くからある」ものであるように思われます。また、数字は自然に立ち上がったり移動したりしませんでした。しかし、古風なスタイルが古典的なスタイルとして知られるものに徐々に変化するにつれて、ますます多くの技術的知識とスキルを示す明確な進行が検出されます。

不明なアーティスト： Kouros Anavissos 。アテネ国立考古学博物館530 BC
不明なアーティスト： シフノスのフリーズの宝庫（詳細）、デルファイ考古学博物館、ca。紀元前525年
一部はオナタスまたは彼の学校に帰属： 倒れたトロイの木馬の戦士 、アパイア神殿の西側ペディメントの図W-VII、ミュンヘン、グリプトテーク、ca。紀元前505〜500年
未知の芸術家：ケラメイコンの聖なる門で見つかった葬儀のライオン。ケラメイコス考古学博物館、アテネ、ca。紀元前590〜580年

古典期

古典期には、彫刻のスタイルと機能の両方に変化が見られました。ポーズはより自然主義的になり（より自然主義的な彫刻への移行の例については、Delphiの戦車兵を参照）、さまざまなポーズで人間の形を描写するギリシャの彫刻家の技術的スキルが大幅に向上しました。紀元前500年頃から、彫像は実在の人物を描き始めました。専制政治の打倒を示すためにアテネに設置されたハルモディウスとアリストゲイトンの像は、実際の人々に対する最初の公共記念碑であると言われていました。

ギリシャの芸術家が人間の動きと解剖学を研究し始めたとき、生きている人間は立っているときに「重量変化」または対立を示す傾向があることを発見しました。

コントラポストを展示した最初のギリシャの彫像は、紀元前480年頃の有名なクリティオスボーイです。コントラポストはすぐにギリシアの彫刻技術の決定的な要素となり、硬直した手足のクロスバランスで非常にダイナミックで洗練されたコントラポストを採用したドリフォロスのキヤノン（「槍の担い手」）で頂点に達しました。

ギリシャの神殿は、大きなカルト像に合うように特別に作られました。彼らは、神聖であると言われている地域の周りに神社を置くことは神を喜ばせると信じていました。古典期には、彫刻家は寺院の作品を作成するだけでなく、亡くなった愛する人へのオマージュを示すための遺体安置所の彫像も作成していました。彫刻は多くの場合、故人をリラックスしたポーズで見せます。成功したアスリートと裕福な家族は、神々への敬意を示すために寺院の自分の像を依頼しました。紀元前5世紀には肖像画が人気を博し、将軍、哲学者、政治指導者を描いた胸像が登場しました。

ギリシャの作品の質の高さはイタリアの関心を集め、エトルリアとその後のローマの芸術の両方に大きな影響を与えました。ローマがギリシャの芸術を迎えた熱意は、古典的なギリシャ様式の伝承だけでなく、現存する古典的なギリシャの作品のほとんどが、主にギリシャのブロンズのオリジナルのローマの大理石のコピーの形で生き残っているために重要であることが証明されました。ブロンズは常に貴重な金属であったため、オリジナルのほとんどはかなり前に溶けた可能性が高く、ほとんどの難破船の状況でほとんどの真の生存は見つかりませんでした。

しかし、ギリシャ人は大理石を彫り、多くの古典的なギリシャの大理石が生き残っています。有名なパルテノンマーブル（エルギンマーブルとも呼ばれます）は、19世紀の初めまでその場で持続しました 。実際、現存する古典的なギリシャの大理石の多くは、建築の文脈からのものです。

ポリクレイトス： ドリフォロス 。モスクワのプーシキン博物館でキャスト。
ユーフラノールに帰属：パリまたはペルセウス 。 Atikythera難破船、ca。紀元前340〜330年。アテネ国立考古学博物館。
フィディアスのワークショップ： リクライニングディオニソス 、パルテノン東部ペディメント、約。紀元前447〜433年。イギリスの博物館
アフロディーテブラスキ、 クニドスのプラクシテレの奉納像の後の無料コピー（紀元前1世紀）（ アフロディーテのクニドスタイプ、紀元前350〜340年頃）。グリプトテーク、ミュンヘン

ヘレニズム期

古典時代からヘレニズム時代への移行は、紀元前4世紀に起こりました。彫刻はますます自然主義的になりました。 Common民、女性、子供、動物、家庭の風景は、裕福な家族から家や庭の装飾のために依頼された彫刻の対象として受け入れられました。すべての年齢の男性と女性のリアルな肖像画が作成され、彫刻家はもはや人々を美や肉体的な完璧さの理想として描写する義務を感じなくなりました。ほとんどのギリシャ人男性は、腰をわずかに横にした状態で彫刻されていました。人間がこのように立つと、より多くの筋肉を使用します。

プリニー・ザ・エルダーによる、アゲサンダー、アタノドロス、ポリドーラス： ラオコーンと彼の息子 。 caからのヘレニズムのオリジナルの後にコピーします。 200 BC。バチカン美術館
不明なアーティスト： サモトラケのニケ 、c。紀元前220〜190年。ルーバー
未知のアーティスト： ネレウス、ドリス、巨人、オセアノス 、 ペルガモン祭壇から（詳細）、紀元前2世紀。ペルガモン博物館、ベルリン
不明なアーティスト： ルドヴィージガウルと彼の妻 。ガラに対する勝利の後、ペルガモンのアッタロス1世によって建てられた記念碑からのヘレニズム時代のオリジナルの後のローマのコピー。 220 BC。パラッツォアルテンプス、ローマ

ローマの彫刻

ローマの彫刻の研究は、ギリシャの彫刻との関係によって複雑になっています。アポロ・ベルヴェデーレやバルベリーニ・フォーンなど、最も有名なギリシャ彫刻の多くの例は、ローマ帝国またはヘレニズム時代の「コピー」からのみ知られています。かつて、この模倣は美術史家によってローマの芸術的想像力の狭さを示すものと見なされていましたが、20世紀後半に、ローマの芸術は独自の用語で再評価され始めました：ギリシャの彫刻の性質のいくつかの印象は事実はローマの芸術性に基づいています。

ローマの彫刻の強みは肖像画にあり、ギリシア人や古代エジプト人ほど理想に関心がなく、非常に特徴的な作品を生み出し、物語のレリーフシーンにあります。ローマの彫刻の例は豊富に保存されており、ローマの絵画は非常に広く実践されていましたが、ほとんど失われています。ラテン語といくつかのギリシャの作家、特に彼の自然史の本34の長老プリニは彫像について記述しており、これらの記述のいくつかは現存する作品と一致しています。ローマの彫刻の多くは、特に石で、多かれ少なかれ無傷で生き残っていますが、多くの場合、破損または断片的です。等身大の銅像は、ほとんどが金属にリサイクルされているため、はるかに希少です。

ほとんどの彫像は実際にははるかにリアルで、最初に作成されたときはしばしば鮮やかな色でした。今日見つかった原石の表面は、何世紀にもわたって失われた顔料によるものです。

肖像画

肖像画はローマの彫刻の支配的なジャンルであり、おそらく家族や先祖への伝統的なローマの重点から成長しています。ローマのエリート家の玄関ホール（アトリウム）には、先祖代々の肖像画の胸像が飾られていました。ローマ共和国では、肉体的な欠陥をglossめず、特に男性を荒々しく虚栄心のない人物として描写することは性格の兆候と考えられていました。肖像画は経験の地図でした。帝国時代に、ローマ皇帝のより理想化された像は、特にローマの国家宗教に関連して、遍在しました。控えめな裕福な中流階級の墓石でさえ、浮彫りにされた未知の故人の肖像画を展示することがあります。

色

古代の彫像やレリーフは、それらが作られた素材のむき出しの表面を見せて生き残っており、人々は一般的に古典芸術を白い大理石の彫刻と関連付けています。しかし、多くの彫像が明るい色で塗られたという証拠があります。色のほとんどは時間とともに風化していきました。小さい残骸も同様にクリーニング中に削除されました。ただし、場合によっては小さな痕跡が残っていても、それを特定できました。ギリシャとローマの作品の20色のレプリカと35のオリジナルの彫像とレリーフの巡回展が、2007年から2008年の間にヨーロッパとアメリカで開催されました。 神々の色：古代の絵画の彫刻 。塗料を1回または2回塗りするかどうか、顔料をどれだけ細かくすりつぶすか、それぞれの場合に使用する結合媒体などの詳細（完成品の外観に影響するすべての要素）は不明です。

影響

グレコローマンの彫刻は、西洋美術に大きな影響を与えました。それにより、グレコローマンスタイルは芸術におけるリアリズムの可能性と可能性を確立しました。彫刻は比較的耐久性があるため、ヨーロッパからアジア、今日、世界中に至るまで、さまざまな文化や時代のアーティストに生き残り、影響を与え続けています。

西ローマ帝国の崩壊後、ヨーロッパでは古典芸術が徐々に不評になりましたが、初期のイタリアルネサンス期の再発見は決定的なものでした。古典的なリバイバルで最も重要な彫刻家の一人はドナテッロでした。ミケランジェロなど他の多くの彫刻家も、古典とみなすことができる作品を作りました。モダンクラシシズムは、自然主義（アントワーヌ=ルイバリー）へのコミットメント（メロドラマティック（フランソワルード）のセンチメンタリティ（ジャン=バティストカルポー）-一種の荘厳な壮大さ）によって特徴付けられた19世紀のクラシック彫刻と多くの点で対照的でした（レイトンord）世紀の変わり目に古典的な伝統のいくつかの異なる方向が取られましたが、ライブモデルとルネサンス後の伝統の研究は依然としてそれらの基本でした。