クラシックハリウッド映画

古典的なハリウッド映画 、 古典的なハリウッドの物語 、 ハリウッド の黄金時代 、 古いハリウッド 、 古典的な連続性は、1910年代にアメリカの映画で急速に発展し、特徴づけられた映画の物語と視覚スタイルの両方を指す映画批評で使用される用語です第一次世界大戦後および1960年代以降、最終的に世界で最もパワフルで普及した映画制作スタイルになりました。

古典的なスタイルの開発

初期の物語映画（1895〜1913）

何世紀にもわたって、物語の物語の視覚的な標準は劇場だけでした。 1890年代の最初の物語映画以来、映画製作者は映画館のスクリーンでライブシアターの力を捉えようとしました。これらの映画制作者の大部分は、19世紀後半の段階で監督としてスタートし、同様に、ほとんどの映画俳優は、ボードビルまたは演劇のメロドラマにルーツを持っていました。視覚的には、初期の物語映画は舞台からほとんど適応せず、それらの物語はボードビルやメロドラマからほとんど適応していませんでした。 「古典的連続性」として知られるようになる視覚スタイルの前に、シーンはフルショットで撮影され、慎重に振り付けられたステージングを使用して、プロットとキャラクターの関係を描写しました。切り取りは非常に限られており、ほとんどが読みやすさのためにオブジェクトのクローズアップで構成されていました。

静寂の成熟（1913〜1920年代後半）

舞台に固有の現実はありませんが、映画は（舞台とは異なり）見かけの時間と空間を操作する自由を提供し、したがって、臨場感、つまり時間的線形性と空間的連続性の幻想を作り出します。 1910年代初頭までに、映画制作はその芸術的可能性を実現し始めていました。スウェーデンとデンマークでは、この期間は映画の「黄金時代」として知られています。アメリカでは、この芸術的変化は、デビッド・W・グリフィスのような映画製作者がエジソン・トラストのグリップを最終的に破り、製造独占から独立した映画を作ったことが原因です。世界中の映画は、古典的なハリウッド映画に見られる視覚的および物語的な要素を顕著に採用し始めました。 1913年はメディアにとって特に実り多い年でした。いくつかの国の先駆的な監督が、 マザーリングハート （DWグリフィス）、 インゲボルグホルム （ビクターショーストロム）、 ランファンドパリ （レオンスペレ）などの傑作を生み出し、物語の形式としての映画。また、イェブゲニ・バウアー（ジョルジュ・サドゥルによると、最初の真の映画作家）が彼の短い、しかし多作なキャリアを始めた年でもありました。

世界全体、そして特にアメリカでは、グリフィスの映画制作への影響は比類のないものでした。同様に影響を与えたのは、彼の俳優が彼らのパフォーマンスを新しいメディアに適応させたことです。 The Mothering HeartのスターであるLillian Gishは、スクリーンパフォーマンステクニックへの影響で特に注目されています。グリフィスの1915年の叙事詩「国民の誕生」は、ストーリーテリングの手段としての映画にとって画期的なものでした。数々の革新的な視覚技術を備えた文学的な物語の傑作です。この映画はアメリカ映画の多くの進歩を開始したため、数年以内に時代遅れになりました。 1913年は映画製作の世界的なランドマークでしたが、1917年は主にアメリカのものでした。

「古典的なハリウッド映画」の時代は、1917年までにアメリカのメディアを支配し始める物語と視覚的なスタイルによって区別されます。

サウンド時代の古典的なハリウッド映画（1920年代後半-1960年代後半）

古典的なハリウッドスタイルの物語と視覚のスタイルは、サウンドフィルム制作への移行後にさらに発展するでしょう。アメリカの映画製作における主な変化は、スタジオシステムの高さによる映画産業自体から生じました。このプロダクションモードは、いくつかの主要なスタジオによって支配されたスターシステムが統治されており、数年前からサウンドに先行していました。 1920年半ばまでに、10代前半から独立して働いていたアメリカの著名な監督や俳優のほとんどは、仕事を続けるために新しいスタジオシステムの一部にならなければなりません。

サウンド時代の始まり自体は曖昧に定義されています。一部の人にとっては、1927年にリリースされたThe Jazz Singerで始まり、映画の長編映画にサウンドが導入されたため、映画の興行収入を増やしました。他の人にとって、この時代は1929年に始まり、静かな時代が決定的に終わりました。 1920年代後半から1960年代までのほとんどのハリウッドの写真は、西洋、ドタバタ喜劇、ミュージカル、アニメ、伝記（伝記）といったジャンルに密接に準拠しており、同じクリエイティブチームが同じスタジオで製作された映画に携わることがよくありました。たとえば、セドリックギボンズとハーバートストアートは常にMGMフィルムに取り組んでいます。アルフレッド・ニューマンは20世紀フォックスで20年間働いていました。セシルB.デミルの映画は、ほとんどがパラマウントピクチャーズで制作されました。ヘンリーキング監督の映画のほとんどは20世紀フォックス用に作られました。同様に、俳優は主に契約選手でした。映画史家と批評家は、映画が音に適応し、1930年代後半に行われた静音の芸術的品質のレベルに戻るには約10年かかったことに注目しています。

この時代から生まれた映画の多くの素晴らしい作品は、高度に統制された映画製作のものでした。これが可能だった理由の1つは、非常に多くの映画が作成されているため、すべてが大ヒットする必要はなかったということです。スタジオは、優れた脚本と比較的未知の俳優で、中程度の予算の機能でギャンブルをすることができます： シチズンケイン （オーソンウェルズ監督、一部の人は史上最高の映画と見なされる）は、その説明に適合します。また、ハワード・ホークス、アルフレッド・ヒッチコック、フランク・キャプラなどの意欲的な監督が、彼らの芸術的ビジョンを達成するためにスタジオと戦いました。スタジオシステムの遠地点は1939年かもしれません。 オズの魔法使い 、 風と共に去りぬ 、ノートルダムの鐘 、 ステージコーチ 、 スミス氏がワシントンに行く 、 デストリーライドアゲイン 、 若いリンカーン氏 、 嵐が丘 、 天使だけに翼がある 、 ニノチカ 、 ボー・ゲステ 、 ベイブス・イン・アームズ 、 グンガ・ディン 、 グッバイ、ミスター・チップス 、そしてロアリング・トゥエンティーズ 。

スタイル

デイヴィッド・ボールドウェルによって詳述されたような古典的なハリウッド映画の視覚的物語スタイルは、ルネッサンスのアイデアと焦点としての人類の復活の影響を強く受けました。デバイス、システム、およびシステムの関係という3つの一般的なレベルで区別されます。

装置

古典的なハリウッド映画に最も固有のデバイスは、連続編集のデバイスです。これには、連続性編集の主要な視覚空間要素の1つである180度規則が含まれます。 180度の規則は、視聴者とショットの間に架空の180度の軸を作成することにより、「写真の遊び」スタイルを維持し、視聴者がシーン内のアクションの位置と方向内で明確に方向付けできるようにします。 30度の規則によると、シーンが表示される角度のカットは、視聴者が遠近感の変化の目的を理解するのに十分な大きさでなければなりません。ジャンプカットと呼ばれる30度の規則に準拠しないカットは、ショット間の時間的連続性の錯覚を混乱させます。 180度と30度のルールは、先駆的な1902年のフランス映画「月への旅」に見られるように、古典時代の公式の開始より10年以上前の映画制作の基本的なガイドラインです。古典的な連続性編集の切断技術は、クロスカットのように連続性を確立または維持するのに役立ち、異なる場所でのアクションの同時性を確立します。ジャンプカットは、アキシャルカットの形で許可されます。これは、撮影の角度をまったく変更しませんが、被写体に近づいたり遠い視点を表示する明確な目的があるため、時間的な連続性を妨げません。

システム

古典的なナレーションは、心理的動機、つまり人間のキャラクターの意志と、定義された目標への障害との闘いによって常に進行します。この物語の要素は、通常、二次的な物語と絡み合った一次的な物語（たとえばロマンス）で構成されています。この物語は、紛れもない始まり、中間、終わりで構成されており、一般的に明確な解決策があります。俳優、イベント、因果効果、主要なポイント、および二次的なポイントを活用することが、このタイプの物語の基本的な特徴です。クラシックハリウッドシネマのキャラクターは、明確に定義可能な特性を持ち、アクティブで、非常に目標志向です。それらは、社会的関心よりも心理的関心によって動機付けられた因果関係者です。物語は原因と結果の連鎖であり、キャラクターは因果関係のエージェントです。古典的なスタイルでは、イベントはランダムに発生しません。

古典的なハリウッドの時間は連続的で、線形で、均一です。なぜなら、非線形性はメディアの幻想的な働きに注意を喚起するからです。この形式で許容される時間の操作は、フラッシュバックのみです。主に、たとえばカサブランカなどのキャラクターの記憶シーケンスを導入するために使用されます。

空間に関する古典的な連続性の最大のルールはオブジェクトの永続性です。視聴者は、映像のリアリズムを維持するために、シーンが映画のフレームのショットの外側にあると信じなければなりません。古典的なハリウッドの空間の扱いは、映画の二次元性（「目に見えないスタイル」）を克服または隠すように努めており、人体に強く集中しています。古典的な映画のショットの大部分は、ジェスチャーまたは顔の表情に焦点を当てています（ミディアムロングおよびミディアムショット）。アンドレ・バザンは、かつて古典映画を写真入りの劇と比較しました。イベントは客観的に存在しているように見え、カメラは劇全体の最高の眺めを提供するだけです。

この空間の扱いは、中心化、バランス、正面性、深さの4つの主要な側面で構成されています。重要な人物またはオブジェクトは、主に額縁の中央部分にあり、焦点が合っていません。バランスとは、視覚的な構成を指します。つまり、文字はフレーム全体に均等に分散されます。アクションは、観客（正面）とセット、照明（主に3ポイント照明、特にハイキー照明）に向けて微妙に扱われ、衣装は前景を背景（深さ）から分離するように設計されています。

システムの関係

空間と時間の側面は、物語要素に従属しています。

批判

このスタイルの映画には、第二次世界大戦後の現実的な映画を生み出したリアリズムの欠如から、これらの古典的な映画の男性の視線に関するフェミニスト理論など、批評家がいないわけではありません。