前衛音楽

前衛音楽は、その分野での実験または革新の最前線にあると考えられる音楽です。「前衛」という用語は、既存の美的慣習に対する批評、独自の要素または独自の要素を支持する現状の拒絶を意味します、意図的に視聴者に挑戦したり疎外したりするアイデア。

区別

「実験音楽」は伝統の外にあるのに対し、前衛音楽は特定の伝統の中で極端な位置をとるという点で実験音楽と区別されるかもしれません。歴史的な意味で、一部の音楽学者は、1945年にアントンウェーベルンの死を引き継いだ過激な作曲に「前衛音楽」という用語を使用していますが、そうではない人もいます。たとえば、Ryan Minorは、この期間はRichard Wagnerの仕事から始まったと書いていますが、Edward LowinskyはJosquin des Prezを引用しています。この用語は、実験音楽として定義できない1945年以降のモダニスト音楽の傾向を指すためにも使用される場合がありますが、調性の拒否を特徴とする一種の実験音楽が含まれることもあります。前衛音楽の一般的な引用例は、ジョン・ケージの4'33 " （1952）です。これは、演奏者に楽器を演奏しないよう指示する曲です。

一部のモダニスト音楽も前衛的ですが、2つのカテゴリを区別できます。学者ラリー・シツキーによると、アバンギャルドな音楽の目的は必然的に政治的、社会的、文化的批評であるため、観客、イゴール・ストラヴィンスキー、リチャード・ストラウス、アーノルド・シェーンバーグなどの作曲家によって社会的および芸術的価値に挑戦するため、アントン・ウェーバーン、ジョージ・アンテイル、クロード・ドビュッシーは、初期の作品では前衛的であったと合理的に見なされる可能性があります（作曲家がそのように意図しているかどうかにかかわらず、挑発的であると理解されていました）後の音楽。たとえば、ミルトン・バビット、ルチアーノ・ベリオ、エリオット・カーター、ジョルジ・リゲティ、ウィトールド・ルトスワフスキーなどの第二次世界大戦後のモダニストは、観客を集める目的で音楽を考えたことはなく、したがって、アバンギャルド。それどころか、ジョン・ケージやハリー・パートチなどの作曲家は、創造的なキャリアを通じて前衛的な存在でした。

アバンギャルドな音楽の顕著な特徴は、確立された創造的な原則と鑑賞習慣を超越するために、伝統文化のさまざまな規則と規制を打破することです。アバンギャルドな音楽は、芸術が何よりも優れていると主張して、音楽の形式とスタイルで斬新さを追求しています。したがって、超越的で神秘的なサウンドの世界を作成します。ヒント、メタファー、シンボル、アソシエーション、イメージ、共感覚、知覚は、人間の心の神秘と意識の流れを発掘するために前衛音楽のテクニックで広く使用されているため、多くは一見無関係ですが、本質的に非常に重要なイベントがマルチレベルに織り込まれています構造とフォーム。

有名な音楽

定義により、ポピュラーミュージックはマスアピール用に設計されています。 1960年代には、オーネットコールマン、サンラ、アルバートエイラー、アーチーシェップ、ジョンコルトレーン、マイルスデイビスなどのアーティストが代表する、ジャズの前衛的な実験の波が見られました。 1970年代のロックミュージックでは、「アート」記述子は一般に「積極的に前衛的」または「大胆に進歩的」を意味すると理解されていました。1970年代後半のポストパンクアーティストは、前衛的な美学を支持して伝統的なロック感性を拒否しました。 1988年、作家のグレッグ・テイトは、ヒップホップ音楽を「周りの唯一の前衛的存在でありながら、まだ新しいものの衝撃を与えている」と表現した。