アートポップ

アートポップは （もアートポップやアートポップとして整形）ポップアートのハイとローの文化の統合、およびその個人の過剰発現の兆候、スタイル、およびジェスチャーの操作を強調することによって影響を受けたポップミュージックの緩く定義されたスタイルです。アートポップアーティストは、ファッション、美術、映画、前衛文学など、他の形式の芸術と同様に、ポストモダンのアプローチや芸術理論に触発される場合があります。彼らは伝統的なポップオーディエンスやロックミュージックの慣習から逸脱し、代わりにポップの商業芸術としての地位、芸術と自己の概念、歴史的真正性の問題などのアイデアを模索するかもしれません。

1960年代半ばから、ブライアンウィルソン、フィルスペクター、ビートルズなどのイギリスとアメリカのポップミュージシャンは、ポップアート運動のアイデアをレコーディングに取り入れ始めました。イギリスのアートポップミュージシャンは美術学校の研究から学びましたが、アメリカではスタイルはポップアーティストアンディウォーホルと関連バンドのベルベットアンダーグラウンドの影響を受け、フォークミュージックのシンガーソングライターの動きとも交差しました。このスタイルは、1970年代に、デヴィッドボウイやロキシーミュージックなど、演劇性とスローポップカルチャーを取り入れたグラムロックアーティストの間で「黄金時代」を経験します。

アートポップの伝統は、ポストパンクやシンセポップ、ブリティッシュニューロマンティックシーンなどのスタイルを通じて1970年代後半から1980年代に引き継がれ、ダンススタイルやシンセサイザーを支持して従来のロックの楽器や構造を拒否したアーティストとともにさらに発展します。 2010年代には、ビジュアルアートを取り入れたヒップホップアーティストや、現代の資本主義とインターネットの感性を探る蒸気波アーティストなど、新しいアートポップトレンドが発展しました。

特徴

アートポップは、ポストモダンの高/低文化的境界の崩壊を利用します。アートポップアーティストは、社会学的解釈と歴史的真正性の問題を解決し、代わりに芸術と商業の概念を探ります。このスタイルは、アートロックまたはプログレッシブロックによって具現化されたロマンティックで自律的な伝統とは異なり、日常の美学と使い捨ての美学に基づいて、個人的な表現よりも記号の操作を強調しています。社会音楽学者サイモンフリスは、芸術のポップミュージックへの流用を区別しましたスタイル、ジェスチャー、および歴史的な時代とジャンルの皮肉な使用に特に関心を持っているものとして。スタイルの特定の提供者の中心は、構築と人工の作品としての自己の概念であり、用語、イメージ、プロセス、および感情の発明に対する先入観でした。 IndependentのNick Colemanは次のように書いています。「アートポップは、部分的に態度とスタイルに関するものですが、本質的にはアートに関するものです。あなたが好めば、ポップコンテキストで純粋な形式主義を社会的に受け入れられるようにする方法です。

文化理論家のマーク・フィッシャーは、アートポップの発展は、ポップ、アート、ファッションの三角測量から発展したと書いています。フリスは、ポップアートに直接触発された「多かれ少なかれ」だったと述べています。批評家スティーブン・ホールデンによると、アートポップはしばしばクラシック音楽と詩の形式的な価値を意図的に志向するポップスタイルを指しますが、これらの作品はしばしば尊敬される文化機関ではなく商業的利益によって販売されます。 インディペンデントおよびフィナンシャルタイムズのライターは、一般の人々から観客を遠ざけるためのアートポップミュージックの試みに注目しています。ロバートクリストガウは、1987年にThe Village Voiceで「アートポップはdBやXTCに似ています。クラフトがらせん状に上昇し、それが審美的な執着心に変わるまで。」

歴史

バックグラウンド

アートとポップミュージックの境界は、20世紀後半にますます曖昧になりました。 1960年代、ジョンレノン、シドバレット、ピートタウンゼンド、ブライアンイーノ、ブライアンフェリーなどのポップミュージシャンは、以前の美術学校の研究からインスピレーションを得始めました。フリスは、英国のアートスクールは「明るい労働者階級の子供たちの伝統的な脱出ルートであり、ビートルズなどの若いバンドの繁殖地」であると述べています。北米では、アートポップはボブディランとビートジェネレーションの影響を受け、フォークミュージックのシンガーソングライターの動きによってより文学的になりました。プログレッシブ/アートロックが1970年代初頭の最も商業的に成功したブリティッシュサウンドになる前に、1960年代のサイケデリックな動きはアートと商業主義を結びつけ、マスメディアにおける「アーティスト」とはどういう意味かという問題を解決しました。ステータスは個人の自主性に依存していたため、「プログレッシブ」ロックグループの戦略は、通常のポッププラクティスの「上」でパフォーマーおよび作曲家としての姿を現すことでした。

アートポップの開発に対するもう1つの主な影響は、ポップアート運動でした。量産品の美的価値を表すために最初に造られた「ポップアート」という用語は、ロックンロールの現代現象（初期のポップアートのアイコンであるエルビス・プレスリーを含む）に直接適用されました。フリスによると、「ロマン主義の終わりを告げ、アーティストのいない芸術であることが判明しました。プログレッシブロックはボヘミアンの最後の賭けでした...この文脈では、主要なポップアート理論家はハミルトンや他の英国のアーティストではありませんでしたマスマーケットに関心を寄せていたが、学者の支持者だけでしたが、アンディ・ウォーホルにとって重要な問題は、「高」と「低」芸術の相対的なメリットではなく、 すべての芸術と「商業」の関係でした「。」 Warhol's FactoryのハウスバンドであるVelvet Undergroundは、Warholのアート/ポップシンセシスをエミュレートするアメリカのグループであり、シンプルさを強調し、従来の芸術表現の階層を無視した、モダニズムの前衛的なアートロックへのアプローチを開拓しました。

1960年代：起源

ホールデンは、1960年代半ばにフィルスペクターなどのプロデューサーやビーチボーイズのブライアンウィルソンなどのミュージシャンが、ポップレコーディング（両方のアメリカ人）にビートルズの最初のレコーディングに加えて、擬似シンフォニックテクスチャを取り入れ始めたときに、アートポップの起源をたどります。弦楽四重奏曲。著者のマシュー・バニスターの言葉によれば、ウィルソンとスペクターはどちらも「自分自身の仕事に常習的に欠席している」と知られ、ウォーホルのように「存在としてではなく、制御または組織化の原則として存在した」メディアの表面下。非常に成功した商業アーティストであると同時に、彼ら自身の作品には存在しないと同時に存在している。」作家のエリック・デイビスはウィルソンのアートポップを「音楽史上ユニーク」と呼び、コラボレーターのヴァン・ダイク・パークスはそれをウォーホルとアーティストのロイ・リキテンスタインの現代作品と比較し、共通またはハックニーされた素材を「ハイアート」のレベルに上げる能力を挙げた。

ビートルズ、ビーチボーイズ、フィルスペクター、フランクザッパによって示された動きの中で、ポップミュージックの支配的な形式はシングルからアルバムに移行し、多くのロックバンドは、壮大な芸術的ステートメントを目指した作品を作成しました。繁栄するだろう。音楽学者のイアン・イングリスは、ビートルズの1967年のアルバム「 軍曹 」のカバーアートを書いています。ペッパーのロンリーハーツクラブバンドは、「アートとポップのつながりを明確にする主な原因として認識されていました」。 軍曹。 Pepper'sの前には、「ディスポーザブル」ポップと「シリアス」ロックの境界線を埋め始めたいくつかのアルバムが先行し、他の若者文化に確立された「商業」の声を首尾よく与えました。著者のマイケル・ジョンソンは、ビートルズの後もアートポップミュージックは存在し続けますが、人気のある成功レベルを達成することはありませんでした。

The Whoはマネージャーによって「最初のポップアートバンド」とラベル付けされ、メンバーのピートタウンゼントは次のように説明しています。「私たちはポップアートの服、ポップアートの音楽、ポップアートの行動を表しています。舞台裏で変化することはありません。 」フリスは彼らのアルバム「The Who Sell Out （1967年12月）」を「おそらくポップアートポップの傑作」、商業の「活力」そのものを使ったフー、ロイ・ウッドのムーブ、そして後にケビン・ゴドリーとロル・クリームが反響する戦術10cc。タウンゼンドのアイデアは、商業主義に重点を置いている点で注目に値します。「ポップアートのレトリックの使用は、音楽制作そのものではなく、自己表現の問題に言及しましたが、商業音楽制作、パッケージング、販売、人気とスターダムの問題を宣伝します。」 1967年5月のインタビューで、タウンゼンドは「パワーポップ」という言葉を作り出し、フー、スモールフェイス、ビーチボーイズの音楽を説明しました。パワーポップは、1960年代の比tropの再構成で知られるジャンルとして後に開発されました。音楽ジャーナリストのポール・レスターは、このコンポーネントが最初のポストモダン音楽ジャンルの1つとしてパワーポップを批准できると主張しました。

1970年代：ニューヨークのシーンと魅力

音楽ジャーナリストのポール・レスターは、ポップ界に「ポストモダン」という用語が存在するかなり前に、バンド10cc、ロキシーミュージック、スパークスが「さまざまなジャンルや時代のミキシングとマッチングを行っていたとき」に、「アドロイトの黄金時代、インテリジェントアートポップ」を見つけました。 」 Velvet Undergroundの効果により、イギーポップオブザストゥージズのようなロックミュージシャンは自分の作品について自意識を持ちました。イギーは彼の性格を芸術品に変え、それが歌手デイヴィッド・ボウイに影響を与えることに触発され、1960年代のハードロックと1970年代のパンクを結びつけるグループとしてのストーゲスの役割を導きました。 1970年代、同様に自意識のあるアート/ポップコミュニティ（フリスがこの時代の「最も重要な」と呼ぶ）が、ニューヨークのマーサーアーツセンターで合体し始めました。ドラマーのジェリー・ハリソン（トーキング・ヘッズの後期）が説明したように、学校はかつてファクトリーで例証されたハイアートとローアートの間の種類のコラボレーションの継続を奨励しました：「それはベルベットアンダーグラウンドとアンディと特定されたすべてのものから始まりましたウォーホル。」

1970年代初期の魅力的なロックシーンは、アートスクールの感性に再び引き付けられます。ビートルズの軍曹の分身の使用に一部影響を受けています。 Pepper's 、glamは、風変わりな衣装、演劇、そして使い捨てのポップカルチャー現象への暗示を強調し、ロックミュージックに現れる最も意図的な視覚現象の1つになりました。ボウイ、ロキシーミュージック、元ベルベットアンダーグラウンドメンバーのルーリードなどのアーティストの一部は、モダニストのアバンギャルドなアートロックのブランチに関連するプラクティスを継続します。

元美術学校の学生であり画家だったボウイは、視覚的なプレゼンテーションを彼の作品の中心的な側面にし、ウォーホルとベルベットアンダーグラウンドの作品と態度から彼のアートポップの概念を導き出しました。ロキシー・ミュージックはフリスによって「典型的なアート・ポップ・バンド」と表現されています。フロントマンのブライアンフェリーは、彼の指導者でありポップアートのパイオニアであるリチャードハミルトンの影響を取り入れ、シンセサイザープレーヤーのブライアンイーノは、理論家のロイアスコットの下でサイバネティックスとアートの研究を行いました。フリスは、フェリーとボウイが「ブリティッシュポップの最も重要な影響」であり、どちらも「商業芸術としてのポップ」に関心があり、他の「キャンプ」行為とは異なり、グラムロックを芸術形態に真剣に取り込んだと主張していますGary Glitterなど。これはプログレッシブロックを再定義し、メディアの名声という点でロマンティックアーティストのアイデアを復活させました。アーモンド・ホワイトによると、ロキシー・ミュージックのポップアートの実践との関わりは、「ポップの表面的な軽薄さと深い喜びが正当であり、命令を追求していることを効果的に示した」。 1973年にロキシーミュージックを去った後、イーノは一連の実験的なソロアルバムでアートポップスタイルをさらに探求しました。残りの10年間、彼は同時代人とは異なる方向でウォーホルの議論を展開し、その時代の幅広い人気ミュージシャンと協力しました。

1970年代〜80年代：パンク後の開発

文化理論家のマーク・フィッシャーは、ポストパンク、インダストリアルミュージック、シンセポップ、特にアートポップの伝統に位置するドイツの電子バンドKraftwerkの作品など、1970年代後半のさまざまな音楽の発展を特徴づけました。彼は、ボウイとロキシーミュージックの英国スタイルのアートポップは、英国のグループJapanの音楽で「頂点に達した」と述べています。 クワイエトゥスは、日本の1979年のアルバム「 Quiet Life 」を1977年のLowでボウイが探検したものと同様の「非常にヨーロッパ的な形で性的に曖昧で思慮深いアートポップ」と定義していると特徴付けました。ブライアン・イーノとジョン・ケールは、ボウイ、トーキング・ヘッズ、そして多くの重要なパンクやポストパンクのレコードのキャリアにおいて重要な役割を果たします。パンク運動のアマチュアリズムに続いて、ポストパンク時代は、以前はボウイとロキシー音楽の作品によって具体化された芸術学校の伝統に戻り、アーティストは文学、芸術、映画、批評理論から音楽やポップカルチャーにアイデアを引き出しました高い芸術と低い文化の一般的な区別を拒否しながら、コンテキスト。マルチメディアパフォーマンスとビジュアルアートの強調が一般的になりました。

フィッシャーは、グレースジョーンズ、1980年代のニューロマンティックグループ、ロージーンマーフィーなどの後続アーティストをアートポップ系譜の一部として特徴付けました。彼は、アートポップの開発には、ダンススタイルとシンセサイザーを支持する従来のロックインスツルメンテーションと構造の拒否が関係していると指摘しました。 クワイエタスは、日本、クラフトワーク、デヴィッド・ボウイの作品の影響を強く受けた英語のニューロマンティックな演劇デュラン・デュランを「アリーナパッキングレベルにまで到達した先駆的な芸術」と名付け、スタイルを「バロック、ロマンチックなエスケープ」に発展させました。評論家のサイモン・レイノルズは、1970年代後半と1980年代に商業ポップの成功を放棄することなく、グラマー、概念主義、革新の融合を挙げて、英国の歌手ケイトブッシュを「アートポップの女王」と名付けました。

1990年代〜現在

アイスランドの歌手ビョークは、さまざまな形の芸術と大衆文化の幅広い統合のために、アートポップの著名な提供者でした。 1990年代に、彼女はアートポップで最も商業的に成功したアーティストになりました。 ガーディアンのジェイソン・ファラゴは、2015年にビョークについて議論しました。「美術史の過去30年は、大部分が共同企業の物語、ハイアートとローの崩壊した境界、メディア間の分裂の終わりの物語です。数字は、トリップホップと12トーンを組み合わせたアイスランドの歌手と同じように区別を無意味に見せ、それらの両方が消える直前にアバンギャルドをMTVにもたらしました。」

NPRのバリーウォルターズによると、1990年代のラップグループPM Dawnは、「万華鏡のようなアートポップ」のスタイルを開発しました。これは当初、ヒップホップファンによって「柔らかすぎ、反and的で、広範囲に渡る」として却下されましたが、最終的には仕事に道を開くでしょうドレイクやカニエウェストなどのアーティストの。 2013年、 SpinはWestが率いる現代音楽の「新しいアートポップ時代」に注目しました。ミュージシャンは、富と贅沢、そして創造的な探究の象徴としてビジュアルアートを利用しています。 ファクトは、ウェストの2008年のアルバム「 808s＆Heartbreak 」を、その後のヒップホップ音楽に実質的な影響を与える「アートポップの傑作」と称し、自己拡大と勇敢さの現代的な強調を超えてスタイルを広げます。 New York TimesのJon Caramanicaは、Westの「考えさせられる壮大な」作品を、「中流階級の価値観でも、ファッション性の高い、高い芸術の夢でも、ゲートを広げた」と表現しました。

グライムズ、ジュリアホルター、FKA小枝などの現代アーティストは、レイノルズによってケイトブッシュに類似した領域で活動していると呼ばれていました。グライムズはモントリオール公報によって「アートポップ現象」と「進行中のアートワークとしてのポップスターに魅了される長い伝統」の一部として説明され、彼女の成功におけるインターネットとデジタルプラットフォームの役割に特に注意が向けられました。 ダミーの 2012年の作品で、評論家のアダムハーパーは、現代の資本主義の要素とのあいまいな関与を特徴とする現代アートポップの加速主義の時代主義者について説明しました。彼は、インターネットベースのジャンルの蒸気波は、アンダーグラウンドのアートポップミュージシャンで構成されていると述べ、「21世紀のハイパーキャピタリズムの最も過酷な芸術的感性の技術的および商業的フロンティアを探求しています」。シーンに関連するアーティストは、仮想のアイデアや1990年代の合成ソース（企業のムード音楽、ラウンジミュージック、ムザックなど）のアイデアを活用しながら、オンラインの仮名で音楽をリリースできます。

アーティストのリスト

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