建築様式

建築様式は、建物またはその他の構造を注目に値する、または歴史的に特定できる機能によって特徴付けられます。一般的に視覚芸術のスタイルのサブクラスであり、建築のほとんどのスタイルは、より広い現代の芸術スタイルに密接に関連しています。スタイルには、フォーム、構築方法、建築材料、地域の特徴などの要素が含まれる場合があります。ほとんどのアーキテクチャは、ファッション、信念、宗教の変化、または新しいスタイルを可能にする新しいアイデア、技術、素材の出現を反映して、時間とともに変化するスタイルの年代順に分類できます。

したがって、スタイルは社会の歴史から生まれます。それらは、建築史の主題で文書化されています。いつでもいくつかのスタイルがファッショナブルである可能性があり、スタイルが変更されると、建築家が新しいアイデアを学び適応するにつれて、通常は徐々に変更されます。新しいスタイルは、21世紀に独自の言語を発見し、他の名前を獲得した多くのスタイルに分割されたポストモダニズム（「モダニズム後」を意味する）などの既存のスタイルに対する反抗にすぎない場合があります。

建築様式は他の場所に広がることが多いため、その源流の様式は新しい方法で発展し続けますが、他の国は独自の工夫を続けています。たとえば、1425年頃にイタリアでルネサンスのアイデアが浮上し、今後200年間でヨーロッパ全土に広がりました。フランス、ドイツ、英語、スペインのルネサンスは、明らかに同じスタイルですが、独特の特徴を示しています。建築様式は、自国から学ぶ外国の植民地によって、または新しい土地に移住する入植者によって、植民地主義によっても広がる可能性があります。その一例が、18世紀後半にスペインの司祭によってもたらされ、独自のスタイルで建てられたカリフォルニアでのスペインのミッションです。

建築様式が時代遅れになった後、復活と再解釈が起こるかもしれません。たとえば、古典主義は何度も復活し、新古典主義としての新しい命を見出しました。復活するたびに異なります。スペインのミッションスタイルは100年後にミッションリバイバルとして復活し、すぐにスペイン植民地時代のリバイバルに発展しました。

固有のアーキテクチャは個別にリストされています。俗語の建築は文化を暗示するものとして広く理解されており（また、それ自体ではなく理論とプロセスとして）、すべての建築様式を技術的に包含することも、まったく包含しないこともできます。それ自体は、固有のアーキテクチャはスタイルではありません。

建築様式の概念の歴史

歴史的芸術と建築の時代スタイルの計画を構築することは、19世紀の学者たちの、最初はほとんどがドイツ語を話す芸術史の分野における主要な関心事でした。カール・フリードリヒ・フォン・ルモール、ゴットフリード・ゼンパー、アロイス・リーグルなど1893年のスティルフラゲンを含む幅広いスタイル理論の重要な作家であり、ハインリッヒ・ヴェルフリンとポール・フランクルは20世紀まで議論を続けました。リーグルに続いて、時間と空間の広い範囲にわたるスタイルの要素の伝達を追跡する壮大なスキームを提案しました。このタイプの美術史は、形式主義、または芸術の形や形の研究としても知られています。

Semper、Wölfflin、Frankl、および後のAckermanは、建築の歴史の背景を持ち、時代様式に関する他の多くの用語と同様に、「Romanesque」および「Gothic」は当初、建築様式を説明するために造られました。特に、建築などのスタイルは、絵画などの比fig的なアートのスタイルよりも一連の規則に従うことで簡単に複製できるためです。建築時代を記述するために作成された用語は、その後、視覚芸術の他の分野にしばしば適用され、その後、音楽、文学、一般文化にさらに広く適用されました。建築では、ゴシック様式のrib骨から現代の金属や鉄筋コンクリート構造まで、新しい技術や材料の発見によって、しばしばスタイルの変化が起こり、可能になります。美術史と考古学の両方で議論されている主要な分野は、絵画や陶器などの他の分野の文体の変化が、新しい技術的可能性への対応であるか、発展する独自の推進力を持っているか（リーグルのクンストレン ）、または現在の考え方が強調する傾向があるため、マルクス主義の美術史のあまり厳格でないバージョンを使用して、後援者およびアーティストの条件に影響を与える社会的および経済的要因に応じた変化。

スタイルは芸術史分析の中心的な要素として確立されていましたが、芸術史の他の方法が発展していたため、芸術史における最優先要因としてのスタイルは第二次世界大戦によって衰退し、スタイル開発の重視;スヴェトラーナ・アルパースにとって、「美術史におけるスタイルの通常の呼び出しは、実に憂鬱な出来事です」。ジェームズエルキンズによると、「20世紀後半に、スタイルの批判は、より簡単に制御できる形式で保持しながら、コンセプトのヘーゲルの要素をさらに減らすことを目的としていました」。

マニエリスム

多くの建築様式は調和のとれた理想を探求しますが、マネリズムは様式をさらに一歩進め、誇張と誇張の美学を探求したいと考えています。マニエリスムは、その知的洗練度だけでなく、（自然主義とは対照的に）その人工的な性質でも注目に値します。マニエリスムは、バランスと明瞭さよりも、構成上の緊張と不安定さを好みます。マニエリスムの定義とその中の段階は、美術史家の間で議論の対象となっています。

マニエリスム建築の例は、ローマ郊外の険しい田舎にあるカプロローラのヴィラファルネーゼです。 16世紀の彫刻家の急増により、マニエリスムのスタイルは以前のどのスタイルよりも急速に広まりました。マネリストのデザインの中心は、16世紀のブームの間のアントワープでした。アントワープを通じて、ルネサンス様式とマニエリスム様式は、イングランド、ドイツ、および一般に北および東ヨーロッパで広く導入されました。コルディッツ城のディスプレイの出入り口は、「ローマ」のディテールの装飾が密集しており、控えめな自国の壁に対する孤立した「セットピース」として特徴的に適用されるこの北部スタイルを例示しています。マネリストのルネサンス時代に、建築家は建築形態を使用して、強固で空間的な関係を強調する実験を行いました。

ルネサンスの調和の理想は、より自由で想像力豊かなリズムへと変わりました。マニエリスム様式に関連する最も有名な建築家はミケランジェロ（1475–1564）であり、彼は巨大な秩序、ファサードの下部から上部に伸びる大きなピラスターを発明したと信じられています。彼はこれをローマのカンピドリオのデザインで使用しました。

20世紀以前には、 マニエリスムという用語には否定的な意味合いがありましたが、現在では、より一般的な非判断的な用語で歴史的期間を説明するために使用されています。